Slideshare sobre arte contemporáneo
Arte contemporáneo
miércoles, 20 de agosto de 2014
Los ismos del siglo XX
Movimientos en el arte visual moderno
Slideshare muy completo para tener un panorama de los movimientos de vanguardia del S XX
Lo que nos permitirá comprender mejor el arte contemporáneo y post moderno.
Slideshare muy completo para tener un panorama de los movimientos de vanguardia del S XX
Lo que nos permitirá comprender mejor el arte contemporáneo y post moderno.
Noticia para reflexionar
Noticia sobre una manifestación en Inglaterra a cerca del conflicto en Gaza.
Lo interesante desde el punto de vista visual es la utilización del espacio representando el encierro palestino, el miedo de los pequeños en sus hogares.
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Lo interesante desde el punto de vista visual es la utilización del espacio representando el encierro palestino, el miedo de los pequeños en sus hogares.
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lunes, 18 de agosto de 2014
El momento en que el arte cambió para siempre
El momento en que el arte
cambió para siempre
Material del blog: http://arteblogspot.blogspot.com.ar/
El momento en que el arte cambió
para siempre
Este es el
subtítulo de una exposición en la Tate Modern de Londres dedicada a la obra de
Duchamp, una de cuyas obras ha sido elegida como la más influyente del siglo
XX, su famosa Fuente.
De lo mucho que
podíamos estar escribiendo de Duchamp , quiero comentarles solo algunos
datos ligados al mundo del objeto para Duchamps, sus ready
mades.
Los Ready
mades poseen dos características importantes: por un lado, constituyen
una clara provocación hacia todo lo que se consideraba arte y sus convenciones;
por el otro, abrieron las puertas creativas de una manera nunca imaginada hasta
entonces. El trucoesta en la elección del objeto y en el contexto
en el que se ha de presentar. Ni un taburete en la cocina ni una rueda de
bicicleta en un garaje constituyen una escultura, no obstante ambas,
descontextualizadas, en una galería de arte puede convertirse en arte.
(Precisamente esta -una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina- fue la
primera ready made de Duchamp en 1913)
Marcel Duchamp con su " rueda de bicileta"
A propósito de los ready-made Marcel Duchamp, 1961.
¿Qué perseguía
Duchamp con sus exposiciones de objetos elegidos? Claramente, en primer lugar,
desorientar al público, provocar un choque en espectadores apegados a la
tradición. Pero también, probar la importancia intrínseca del objeto al margen
de su utilidad, además de sugerir relaciones entre el objeto y el sujeto
Sobre la Fuente
La pieza,
elegida como la más influyente en el arte del siglo XX era un sencillo urinario
de porcelana, y sin embargo, es una pieza clave de toda una transformación para
el arte.
La pieza
original fue expuesta por primera vez en el Salón de Artistas Independientes de
1917 en Nueva York. La exhibición pretendía ser una muestra del arte de lo más
novedoso y vanguardista de principios de siglo XX. (Curiosamente no había ni
jurado ni selección, pero había que pagar seis dólares por participar) Duchamp
pagaría los seis dólares y participaría dentro de la exhibición con un
pseudónimo R. Mutt con su urinario masculino de porcelana. La obra causaría tal
controversia que fue retirada a los dos días de la exhibición.
La pintura a finales del siglo XX
La pintura a finales del siglo XX
material del blog: http://arteblogspot.blogspot.com.ar
En el
movimiento de vanguardia de las últimas décadas del siglo XX se produjo una
fuerte reacción antiexpresionista, cuyo espíritu tendía a materializar una
idea, centrando el interés en su conceptualización, y sin prestar atención
alguna a la acción de la creación artística, que era el objetivo de los
expresionistas.
Neodadaísmo y movimientos europeos
El denominado
neodadaísmo se desarrolló en los Estados Unidos y Europa en los años cincuenta
y los primeros sesenta. Su principio esencial era el de tratar la creación
artística como un objeto, como algo externo al artista, cuya intervención
quedaba neutralizada en el resultado final, que debía asemejarse a una mera
representación física de las cosas. Así se produjo una ruptura con el formato
bidimensional de la obra pictórica. La incorporación de objetos a la obra
artística dio lugar a una fusión de pintura y escultura, que quedaron incluidas
en un solo concepto creativo.
Si el neodadaísmo fue una corriente esencialmente norteamericana, en Europa se originaron diversos movimientos de premisas estéticas semejantes, pero en los que se establecieron líneas de evolución más heterogéneas. Cabe destacar las siguientes:
Una de las consecuencias de la investigación estética de los neodadaístas y las corrientes afines europeas fue el denominado happening, acontecimiento, en el que se incorporaban a la creación artística actuaciones en vivo, que podían ser entendidas como interpretaciones teatrales o como actuaciones tendentes a la modificación del medio para la consecución de una obra de arte.
Entre los más notables representantes del happening cabe citar a los siguientes:
Si el neodadaísmo fue una corriente esencialmente norteamericana, en Europa se originaron diversos movimientos de premisas estéticas semejantes, pero en los que se establecieron líneas de evolución más heterogéneas. Cabe destacar las siguientes:
Una de las consecuencias de la investigación estética de los neodadaístas y las corrientes afines europeas fue el denominado happening, acontecimiento, en el que se incorporaban a la creación artística actuaciones en vivo, que podían ser entendidas como interpretaciones teatrales o como actuaciones tendentes a la modificación del medio para la consecución de una obra de arte.
Entre los más notables representantes del happening cabe citar a los siguientes:
·
El francés Yves Klein (1928-1962) abordó diversas iniciativas
de carácter irónicamente transgresor como las denominadas antropometrías,
en las que modelos embadurnadas de pintura restregaban sus cuerpos sobre
lienzos.
·
El estadounidense de origen búlgaro Christo (n. en 1935)
«empaquetó» grandes edificios e incorporó elementos ajenos a parajes naturales,
para llamar la atención sobre ciertos aspectos de la relación entre el hombre y
su entorno.
·
El francés Jean Tinguely (1925-1991) realizó estructuras
maquinales sin otra función que la mera expresión artística.
·
El italiano Piero Manzoni (1933-1963) hizo una ácida crítica
de la figura del creador a través de sus series de envases titulados Mierda
de artista y Aire de artista, que suscitaron en su momento
una agria polémica.
Se trata de una mordaz crítica del mercado del arte, en el que la simple firma de un artista con renombre produce incrementos irracionales en la cotización de la obra. Consiste en noventa latas cilíndricas de metal de cinco centímetros de alto y un diámetro de seis centímetros y medio que contienen, según la etiqueta firmada por el autor, Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961. Este texto se encuentra escrito en el lateral de cada de ellas en diversos idiomas (inglés Artist`s Shit, francés :Merde d’artiste, italiano: Merda d’artista, y alemán: Künstlerscheiße). Todas están además numeradas y firmadas en la parte superior.
Abstracción pospictórica, arte cinético y
op-art
La reacción al
expresionismo abstracto tuvo manifestaciones muy radicales tendentes al
enfriamiento de toda expresividad. En ellas se produjo una anulación del
color y de todo medio que no denotase frialdad.
En Europa la reacción antiexpresionista más radical adoptó dos líneas evolutivas principales. La primera fue el arte óptico, u op-art, que centraba su interés en la repetición continuada de elementos alternantes, y el arte cinético, cuyo objetivo era transmitir sensación de movimiento a partir de imágenes abstractas. En estos estilos sobresalió la obra del pintor francés de origen húngaro Victor Vasarely (n. en 1908) y del venezolano afincado en Francia Jesús Rafael Soto (n. en 1923).
En Europa la reacción antiexpresionista más radical adoptó dos líneas evolutivas principales. La primera fue el arte óptico, u op-art, que centraba su interés en la repetición continuada de elementos alternantes, y el arte cinético, cuyo objetivo era transmitir sensación de movimiento a partir de imágenes abstractas. En estos estilos sobresalió la obra del pintor francés de origen húngaro Victor Vasarely (n. en 1908) y del venezolano afincado en Francia Jesús Rafael Soto (n. en 1923).
"Capella II", de Victor Vasarely
El arte pop
Una de
los estilos más singulares de la segunda mitad del siglo XX fue el arte
pop, apócope de arte «popular». Esta corriente incorporó a la creación
artística imágenes consumidas en la cultura urbana, como carteles
publicitarios, etiquetas comerciales, viñetas de comics, etc. La «frialdad»
antiexpresionista se alcanzaba en este caso a través del uso de fotografías
proyectadas sobre un lienzo y calcadas repetidas veces.
Dentro de la corriente pop se distinguen:
El estilo norteamericano: Andy Warhol(1903-1987); Roy Lichtenstein (1923- 1997); y Claes Oldenburg (n. en 1925).
Dentro de la corriente pop se distinguen:
El estilo norteamericano: Andy Warhol(1903-1987); Roy Lichtenstein (1923- 1997); y Claes Oldenburg (n. en 1925).
El estilo británico, que daba más importancia a la calidad de la sustancia pictórica:David Hockney (n. en 1937); y Patrick Caufield (n. en 1936).
David Hockney
El arte posmoderno
Durante los
años setenta y ochenta se agotó la evolución del arte encauzado a través de
movimientos concretos. Tales movimientos fueron sustituidos por tendencias de
moda, tan variables como diversificadas. En este contexto realizaron su obra
numerosos autores, cada uno de los cuales presentaba unos rasgos expresivos
personales, y que quedaron englobados dentro del llamado arte posmoderno,
que no define movimiento ni estilo algunos, sino que aúna a los artistas de fin
de siglo.
LA IMAGEN
EN EL MUNDO ACTUAL
Con el impulso
del capitalismo, el desarrollo de los medios de comunicación y el advenimiento
de la época posmoderna, las imágenes más que nunca comienzan a ser objetos de
consumo material y simbólico. Esta dimensión puede verse plasmada a través del
uso de imágenes en publicidades, programas de televisión, redes sociales: la
imagen es imprescindible para la industria de la moda y la industria cultural
en general, al punto de que ambas industrias no serían posibles sin imágenes.
En la prensa
gráfica y digital, los editores “usan la mirada para engañar a la visión”, esto
se lleva al punto máximo con la televisión, en la que se utilizan todo tipo de
efectos de sonido y música para direccionar las interpretaciones y atraer la
atención. Los medios deben captar el imaginario predominante en la masa para
poder despertar interés y tener más anunciantes.
Sociedad de
masas, globalización, medios de comunicación, culto a la imagen. La
posmodernidad supone, como lo explica Darío Sztajnsraiber, la estatización de
la existencia “un desbordamiento de lo estético a todas las dimensiones de lo
social”
La imagen se
convierte en mercancía, un producto impalpable, porque la posmodernidad es la
época de la explosión del consumo simbólico. “Todo lo consumible” aparece con
sus ,ejores artilugios de seducción. También las ideologías, las identidades,
la ciudadanía. La atracción de consumidores través de la imagen, el hecho
de que se haya transformado en un producto que se compra y se vende, es lo que
se refiere a la estatización de la existencia
Historia de la mirada
HISTORIA DE LA MIRADA
El Arte a
través del tiempo
material del blog: http://arteblogspot.blogspot.com.ar/
El arte va cambiando su significado a través de la
historia: cuando cambia un modo de ver y de sentir el mundo, cuando cambian las
creencias y los conocimientos, también cambia la idea de qué es y cómo es el
arte.
Cada época tiene distintas formas de pensar y de
sentir y, por lo tanto, diferentes costumbres y creencias.
Hoy tenemos muy poco en común con los primitivos
hombres y mujeres que vivían en las cavernas y, seguramente, no nos resultaría
sencillo comunicarnos con personas de épocas pasadas. El arte también ha ido
cambiando su sentido y su significado con el paso de los siglos, a medida que
fue variando el modo de ver el mundo.
Los artistas son y fueron personas que vivieron en
distintos momentos historicos. Sus creaciones, además de expresar una visión
personal de la realidad, representan una forma de sentir y percibir que se
corresponde con la de la sociedad de su época.
Pintura
rupestre de Lascaux, Francia. Es interesante observar cómo el relieve natural
de la roca es aprovechado por el artista que realizó esta obra.
EL ARTE Y EL PENSAMIENTO MÁGICO.
Hace cientos de miles de años, los seres humanos
vivían en cavernas y todavía no habían inventado sistemas de escritura ni
formas de organizarse socialmente. Estos hombres dependían para vivir de la
caza de animales: dicha actividad les permitía alimentarse y, a la vez, obtener
pieles para abrigarse. Resulta natural entonces comprender que la caza
representara una parte muy importante en la vida de aquellos hombres.
También era muy necesario en esa época que sus
mujeres pudieran tener hijos, porque la reproducción aseguraba la continuidad
de la especie. Si nos fijamos en las primeras representaciones artísticas
encontraremos que estos dos temas, la caza y la fertilidad femenina, son los
elegidos por los artistas para representar en sus dibujos, pinturas y
esculturas. Para aquellos seres humanos primitivos, la naturaleza era un
misterio y no podían explicarse el por qué de las cosas que sucedían a su alrededor.
Así, la lluvia, la sequía, el nacimiento, la muerte, el dolor, los cambios de
estaciones, entre tantas otras, que hoy sabemos por qué y cómo suceden, para
ellos eran situaciones de origen desconocido.
El hombre primitivo se explicaba todos estos
sucesos a través de la magia, pensaba que la vida estaba dirigida por fuerzas
ocultas y misteriosas que eran las responsables de todo cuanto sucedía a su
alrededor.
Los historiadores modernos creen que las primeras
representaciones que realizó el hombre prehistórico formaban parte de los
rituales mágicos y tenían como finalidad favorecer aquello que representaban.
Las primeras
creaciones
En las escenas de caza de las creaciones artísticas
primitivas, frecuentemente aparecen animales heridos por flechas y lanzas, pues
se creía que al representalos, ese animal dibujado sería realmente atrapado por
los cazadores.
Siguiendo la misma forma de pensar, al escuplir
figuras femeninas, estas aparecen con los vientre prominentes del embarazo y
con pechos grandes capaces de amamantar. Ellos creían que, de esa manera, las
mujeres darían fácilmente a luz y podrían alimentar a sus hijos.
EL ARTE Y LOS
DIOSES
A medida que
iban pasando los siglos, los seres humanos lograron adaptarse a las
características del ambiente y fueron superando las distintas dificultades que
les presentaba la naturaleza.
Los hombres aprendieron a construir viviendas y
abandonaron las cavernas. También fueron formando las primeras sociedades,
crando poblados cada vez más grandes. Aprendieron a cultivar la tierra, a criar
animales y a comerciar.
Los primeros grupos comenzaron a fabricar
herramientas y utensilios para ayudarse en sus nuevas actividades. La aparición
del lenguaje escrito brindó la posibilidad de dejar testimonio del pensamiento,
de las costumbres y de las creencias. Por esta misma época surgieron las más
antiguas religiones. Los hombres pasaron de un pensamiento mágico a un
pensamiento religioso, es decir que comenzaron a creer que había seres
superiores a ellos mismos, que crearon el Universo y que dirigían el curso de
la vida.
Escultrua del faraón egipcio Akhaenatón. Este faraón perteneció a la XVIII dinastía y fue uno de los cuatro faraones de igual nombre: Amenhotep
Como toda religión, la de los pueblos de la
antigüedad trataban de explicar el origen del mundo, del hombre y en muchos
casos, explicaban lo que sucedía después de la muerte.
A excepción del judaísmo, la mayoría de los pueblos
antiguos creían en muchos dioses que frecuentemente relacionaban con elementos
de la naturaleza como el Sol, la Luna, la Lluvia.
Gran parte del arte de los pueblos de la antigüedad
tuvo relación con creencias religiosas. Representaron a los dioses y a otros
los consideraban sagrados. Así, encontramos pinturas, dibujos y esculturas con
las imágenes de los dioses, de los hombres y mujeres que se dedicaban a
rendirles culto como sacerdotes y sacerdotisas, y también de los reyes y
gobernantes, a los que se creían descendientes directos de las divinidades.
Pintura mural del dios egipcio Anubis
Cuando nacieron las antiguas religiones se
comenzaron a construir lugares especiales para adorar a los dioses, llamados
templos. Allí se desarrollaban los distintos actos o rituales que constituían
el culto religioso.
Una parte importante del arte antiguo lo constituye
la arquitectura de templos y plavios que, por lo general, eran muy grandes y estaban
construidos con materiales sólidos para que pudieran resistir el paso del
tiempo.
Gran parte de las creencias religiosas estaban
relacionadas con la muerte; cada una de ellas explicaba qué pasaba más allá de
la vida y tenía sus propios rituales funerarios. Y así como los reyes y
gobernantes viviían en lujosos palacios, cuando morían eran enterrados en
tumbas especialmente construidas para mostrrar la jerarquía y el poder que las
personan habían tenido en vida.
El arte
funerario dio lugar a la construcción de grandes monumentos que combinaron la
arquitectura, la escultura en algunos casos, como en el arte egipcio y también
en la pintura, El arte egipcio se basaba en las creencias religiosas,
especialmente en lo relacionado con el culto a la muerte. De acuerdo con su
religión, ellos pensaban que después de la muerte existía otra vida, muy
similar a la vida en este mundo pero sin dolor ni sufrimiento.
GRECIA
En las
representaciones griegas se puede apreciar el culto que profesaban a las
infinitas deidades. La cultura griega consideraba que los dioses vivían entre
los hombres y que la única diferencia residía en que, por ser dioses, no
participaban del esfuerzo cotidiano y de la mortalidad.
La
escultura fue la expresión máxima de su arte, ya que cumplía la función central
de ser la manifestación más apropiada y suprema de un Dios: no creían que eran
representaciones del dios sino el dios mismo.Los templos griegos eran
decorados por artistas con imágenes de los dioses, sus hazañas, batallas y
reuniones cívicas.
Atenas era la
ciudad más importante de Grecia, en donde se encuentra entre otras
construcciones arquitectónicas “El Partenón”, residencia de la diosa Atenea
Partenos. Su estructura fue imitadas tanto por la Facultad de Derecho como por
la Facultad de Ingeniería de nuestro país.
El tema
principal de las manifestaciones artísticas griegas fue la representación del
cuerpo humano, la búsqueda de belleza a través de la armonía y el equilibrio y
el respeto a determinadas proporciones llamadas “Canon de la figura
humana”
EL RENACIMIENTO
El Renacimiento
supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya no están
controladas por los gremios, sino bajo la protección de los príncipes y la
burguesía. Nacerán, así, los mecenas, un tipo de patrocinadores
financieros que le permitía a los artistas poderdesarrollar
su obra. El mecenazgo apareció en el Renacimiento y, aunque los
artistas no recibían un pago por el trabajo inmediatamente, sí podían recibir
comida y un lugar para vivir con el mecenas o, en ocasiones, algo de dinero.
Además de la
burguesía, la Iglesia y la monarquía serán protectores de los artistas, ya que
se descubre el valor propagandístico del arte.
Todo esto exige
una formación científica de los artistas y una gran capacidad de creación. Se
inventa la perspectiva caballera, con sus puntos de fuga matemáticos, y la
perspectiva aérea, con el sfumato. Se pone mucha atención en las proporciones,
para las que se utilizará elcanon clásico de belleza.
El esfumado (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por aumentar varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utilizaba en los cuadros del Renacimiento para dar una impresión de profundidad. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci, que la describía como "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque"
La perspectiva cónica se descubrió en el Renacimiento y fascinados por el descubrimiento los pintores se recrearon en decorados en los que se pudiera lucir este recurso.
Como esta pintura de Rafael Sanzio, en que la cuadrícula del pavimento, la posición de los personajes, la elevación del punto de vista está pensado para presumir del dominio de la perspectiva.
ARTE MODERNO
Durante mucho
tiempo la habilidad de los artistas se midió por su capacidad de imitar la
naturaleza y engañar a los sentidos, al producir la ilusión de estar ante
objetos reales. A partir del siglo XIX las artes plásticas, con la invención de
la fotografía, se liberarán de su función imitativa.
Esta etapa
supone una nueva forma de entender la teoría y la función del arte. Se plantea
un desinterés por el arte figurativo y la imitación de la naturaleza o su
representación literal, ya que el surgimiento de la fotografía lo había
convertido en algo obsoleto
1839 Surge la
fotografía
Con la difusión
mundial del procedimiento DAGUERROTIPO, desarrollado y perfeccionado
por Daguerre (Francia) se obtiene una imagen sobre una superficie de
plata pulida. La imagen se revelaba sobre vapores de mercurio apareciendo en la
placa plateada que previamente se había sensibilizado con vapores de yodo.
Con este nuevo hallazgo
científico el artista se apartará del academicismo (ya que la fotografía
logrará representar la realidad de manera mucho más fiel). El artista adquirirá
mayor independencia, y se abrirán nuevos caminos para la creación
José de San Martín, en un
retrato de daguerrotipo de 1848,
Museo Histórico
Nacional (Argentina)
VANGUARDIAS
ARTÍSTICAS
La revolución de 1848 generará la crisis de
la unidad burguesa proletaria. Sumado a esto, la alienación del
hombre producto de los límites del sistema capitalista producirá una voluntad
de ruptura y autonomía del arte frente a los convencionalismo y academicismos
imperantes hasta ese entonces. El arte asumirá un carácter de protesta contra
el arte oficial, y atravesará un período de experimentación, de libertad de
expresión, de autonomía, y de compromiso social. Durante este período se
cuestionará el arte como institución. En cuanto a lo técnico, las
representaciones rompen con las lineas, las formas, los colores neutros, la
perspectiva. Comienza un período de abstracción de las representaciones
artísticas
una de las características visibles de las
vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en
los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por
desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando
los modelos y valores existentes hasta el momento.
Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, fauvismo, cubismo, constructivismo,ultraísmo, surrealismo, suprematismo, rayonismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con
diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:
·
la lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad
individual y la innovación;
·
audacia y libertad de la forma.
·
el carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas,
unas tras otras.
En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la
personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las
formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la
visión simultánea de varias configuraciones de un objeto
Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
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