La pintura a finales del siglo XX
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En el
movimiento de vanguardia de las últimas décadas del siglo XX se produjo una
fuerte reacción antiexpresionista, cuyo espíritu tendía a materializar una
idea, centrando el interés en su conceptualización, y sin prestar atención
alguna a la acción de la creación artística, que era el objetivo de los
expresionistas.
Neodadaísmo y movimientos europeos
El denominado
neodadaísmo se desarrolló en los Estados Unidos y Europa en los años cincuenta
y los primeros sesenta. Su principio esencial era el de tratar la creación
artística como un objeto, como algo externo al artista, cuya intervención
quedaba neutralizada en el resultado final, que debía asemejarse a una mera
representación física de las cosas. Así se produjo una ruptura con el formato
bidimensional de la obra pictórica. La incorporación de objetos a la obra
artística dio lugar a una fusión de pintura y escultura, que quedaron incluidas
en un solo concepto creativo.
Si el neodadaísmo fue una corriente esencialmente norteamericana, en Europa se originaron diversos movimientos de premisas estéticas semejantes, pero en los que se establecieron líneas de evolución más heterogéneas. Cabe destacar las siguientes:
Una de las consecuencias de la investigación estética de los neodadaístas y las corrientes afines europeas fue el denominado happening, acontecimiento, en el que se incorporaban a la creación artística actuaciones en vivo, que podían ser entendidas como interpretaciones teatrales o como actuaciones tendentes a la modificación del medio para la consecución de una obra de arte.
Entre los más notables representantes del happening cabe citar a los siguientes:
Si el neodadaísmo fue una corriente esencialmente norteamericana, en Europa se originaron diversos movimientos de premisas estéticas semejantes, pero en los que se establecieron líneas de evolución más heterogéneas. Cabe destacar las siguientes:
Una de las consecuencias de la investigación estética de los neodadaístas y las corrientes afines europeas fue el denominado happening, acontecimiento, en el que se incorporaban a la creación artística actuaciones en vivo, que podían ser entendidas como interpretaciones teatrales o como actuaciones tendentes a la modificación del medio para la consecución de una obra de arte.
Entre los más notables representantes del happening cabe citar a los siguientes:
·
El francés Yves Klein (1928-1962) abordó diversas iniciativas
de carácter irónicamente transgresor como las denominadas antropometrías,
en las que modelos embadurnadas de pintura restregaban sus cuerpos sobre
lienzos.
·
El estadounidense de origen búlgaro Christo (n. en 1935)
«empaquetó» grandes edificios e incorporó elementos ajenos a parajes naturales,
para llamar la atención sobre ciertos aspectos de la relación entre el hombre y
su entorno.
·
El francés Jean Tinguely (1925-1991) realizó estructuras
maquinales sin otra función que la mera expresión artística.
·
El italiano Piero Manzoni (1933-1963) hizo una ácida crítica
de la figura del creador a través de sus series de envases titulados Mierda
de artista y Aire de artista, que suscitaron en su momento
una agria polémica.
Se trata de una mordaz crítica del mercado del arte, en el que la simple firma de un artista con renombre produce incrementos irracionales en la cotización de la obra. Consiste en noventa latas cilíndricas de metal de cinco centímetros de alto y un diámetro de seis centímetros y medio que contienen, según la etiqueta firmada por el autor, Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961. Este texto se encuentra escrito en el lateral de cada de ellas en diversos idiomas (inglés Artist`s Shit, francés :Merde d’artiste, italiano: Merda d’artista, y alemán: Künstlerscheiße). Todas están además numeradas y firmadas en la parte superior.
Abstracción pospictórica, arte cinético y
op-art
La reacción al
expresionismo abstracto tuvo manifestaciones muy radicales tendentes al
enfriamiento de toda expresividad. En ellas se produjo una anulación del
color y de todo medio que no denotase frialdad.
En Europa la reacción antiexpresionista más radical adoptó dos líneas evolutivas principales. La primera fue el arte óptico, u op-art, que centraba su interés en la repetición continuada de elementos alternantes, y el arte cinético, cuyo objetivo era transmitir sensación de movimiento a partir de imágenes abstractas. En estos estilos sobresalió la obra del pintor francés de origen húngaro Victor Vasarely (n. en 1908) y del venezolano afincado en Francia Jesús Rafael Soto (n. en 1923).
En Europa la reacción antiexpresionista más radical adoptó dos líneas evolutivas principales. La primera fue el arte óptico, u op-art, que centraba su interés en la repetición continuada de elementos alternantes, y el arte cinético, cuyo objetivo era transmitir sensación de movimiento a partir de imágenes abstractas. En estos estilos sobresalió la obra del pintor francés de origen húngaro Victor Vasarely (n. en 1908) y del venezolano afincado en Francia Jesús Rafael Soto (n. en 1923).
"Capella II", de Victor Vasarely
El arte pop
Una de
los estilos más singulares de la segunda mitad del siglo XX fue el arte
pop, apócope de arte «popular». Esta corriente incorporó a la creación
artística imágenes consumidas en la cultura urbana, como carteles
publicitarios, etiquetas comerciales, viñetas de comics, etc. La «frialdad»
antiexpresionista se alcanzaba en este caso a través del uso de fotografías
proyectadas sobre un lienzo y calcadas repetidas veces.
Dentro de la corriente pop se distinguen:
El estilo norteamericano: Andy Warhol(1903-1987); Roy Lichtenstein (1923- 1997); y Claes Oldenburg (n. en 1925).
Dentro de la corriente pop se distinguen:
El estilo norteamericano: Andy Warhol(1903-1987); Roy Lichtenstein (1923- 1997); y Claes Oldenburg (n. en 1925).
El estilo británico, que daba más importancia a la calidad de la sustancia pictórica:David Hockney (n. en 1937); y Patrick Caufield (n. en 1936).
David Hockney
El arte posmoderno
Durante los
años setenta y ochenta se agotó la evolución del arte encauzado a través de
movimientos concretos. Tales movimientos fueron sustituidos por tendencias de
moda, tan variables como diversificadas. En este contexto realizaron su obra
numerosos autores, cada uno de los cuales presentaba unos rasgos expresivos
personales, y que quedaron englobados dentro del llamado arte posmoderno,
que no define movimiento ni estilo algunos, sino que aúna a los artistas de fin
de siglo.
LA IMAGEN
EN EL MUNDO ACTUAL
Con el impulso
del capitalismo, el desarrollo de los medios de comunicación y el advenimiento
de la época posmoderna, las imágenes más que nunca comienzan a ser objetos de
consumo material y simbólico. Esta dimensión puede verse plasmada a través del
uso de imágenes en publicidades, programas de televisión, redes sociales: la
imagen es imprescindible para la industria de la moda y la industria cultural
en general, al punto de que ambas industrias no serían posibles sin imágenes.
En la prensa
gráfica y digital, los editores “usan la mirada para engañar a la visión”, esto
se lleva al punto máximo con la televisión, en la que se utilizan todo tipo de
efectos de sonido y música para direccionar las interpretaciones y atraer la
atención. Los medios deben captar el imaginario predominante en la masa para
poder despertar interés y tener más anunciantes.
Sociedad de
masas, globalización, medios de comunicación, culto a la imagen. La
posmodernidad supone, como lo explica Darío Sztajnsraiber, la estatización de
la existencia “un desbordamiento de lo estético a todas las dimensiones de lo
social”
La imagen se
convierte en mercancía, un producto impalpable, porque la posmodernidad es la
época de la explosión del consumo simbólico. “Todo lo consumible” aparece con
sus ,ejores artilugios de seducción. También las ideologías, las identidades,
la ciudadanía. La atracción de consumidores través de la imagen, el hecho
de que se haya transformado en un producto que se compra y se vende, es lo que
se refiere a la estatización de la existencia
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